Disegno

lavoro artistico bidimensionale
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Il disegno[1] è la rappresentazione grafica di oggetti reali o immaginari, di persone, di luoghi, di figure geometriche fatta con o senza intenti artistici. Il disegno può essere inteso come svago personale, come espressione artistica o come strumento lavorativo, per esempio nel disegno tecnico, industriale, architettonico, ingegneristico. Il disegno tradizionale è solitamente realizzato su una superficie cartacea mediante matite, pastelli, carboncini o pennelli a seconda della tecnica impiegata. Nella modernità il disegno è anche realizzabile attraverso dispositivi elettronici come computer e tavolette dotati di particolari software specifici.

Leonardo da Vinci, studio di figura per la battaglia di Anghiari
Fasi di esecuzione del disegno della testa di una mucca (E. G. Lutz, What to draw and how to draw it, 1913).
Un disegno del pittore Umberto Boccioni dal titolo Controluce (1910), conservato presso la Collezione Ramo di Milano

Materiali da disegno modifica

I materiali comunemente usati per il disegno d'arte sono matite, pastelli, gessetti, sanguigna, carboncini, di solito su supporto di carta. In genere sono utilizzati senza nessuna preparazione e, a seconda della tecnica seguita dall'artista, possono eventualmente costituire la fase iniziale di una lavorazione più complessa da sovrapporsi al disegno stesso: in questo caso si parla di disegni preparatori, come, per esempio, le sinopie.

Il disegno può essere monocromo o a colori. Nelle tecniche tradizionali l'artista usa i colori puri, senza miscelarli prima di applicarli (mentre nella pittura i colori sono creati mescolando colori di base). La miscelazione a secco sfrutta un effetto ottico: quando i colori sono sovrapposti su uno o più strati precedenti, velatamente percepibili in trasparenza, o quando diversi colori sono tratteggiati con segni ravvicinati, l'occhio li mischia.[2]

Disegno come espressione d'arte modifica

Fino al Seicento, si intendeva il disegno come "il fondamento dell'arte" e prevaleva la sua "linea di contorno" al colore della pittura. Lo studio del disegno non si fermava al tratto, ma si sviluppava attraverso varie discipline, quali la geometria, la prospettiva, l'anatomia, l'architettura, lo studio della luce, lo studio dei colori.

Con il Seicento iniziano anche le raccolte dei disegni effettuati dai vari artisti. Raccolte che sono pervenute fino ad oggi e che dimostrano che comunque il disegno viene prima del "colore".

Con il realismo, l'arte riscatta il colore con la conquista della luce. L'artista, superati i rigorismi dell'anatomia imposta dagli insegnamenti accademici, libera definitivamente la forma e la sua individualità creatrice. E il disegno diviene più che mai espressione della personalità del suo autore, della sua particolare visione del mondo reale, del suo modo di rendere la luce e i suoi contrappunti chiaroscurali sulla bianca superficie di un foglio.[3]

Panoramica modifica

Il disegno è una delle più antiche forme di espressione umana all'interno delle arti visive. Si occupa generalmente della marcatura di linee e aree di tono su carta o altro materiale, dove la rappresentazione accurata del mondo visivo è espressa su una superficie piana[4]. I disegni tradizionali erano monocromatici, o almeno avevano poco colore[5], mentre i moderni disegni a matita colorata possono avvicinarsi o oltrepassare un confine tra disegno e pittura. Nella terminologia occidentale, il disegno è distinto dalla pittura, anche se mezzi simili sono spesso impiegati in entrambi i compiti. Il disegno può essere eseguito con un mezzo liquido, applicato con pennelli o penne. Allo stesso modo supporti simili possono servire entrambi: la pittura generalmente prevede l'applicazione di vernice liquida su tele o pannelli preparati, ma a volte viene creato prima un disegno di base sullo stesso supporto.

Il disegno è spesso esplorativo, con notevole enfasi sull'osservazione, la risoluzione dei problemi e la composizione. Il disegno è anche usato regolarmente in preparazione di un dipinto, offuscando ulteriormente la loro distinzione. I disegni creati per questi scopi sono chiamati studi.

Esistono diverse categorie di disegno, tra cui disegno di figure, cartoni animati, ghirigori e mano libera. Ci sono anche molti metodi di disegno, come il disegno al tratto, la punteggiatura, l'ombreggiatura, il metodo surrealista della grafomania entopica[6] (in cui i punti vengono creati nei siti delle impurità in un foglio di carta bianco e le linee vengono quindi create tra i punti[7]), e tracciatura (disegno su carta traslucida, come carta da lucido, attorno al contorno di forme preesistenti che si mostrano attraverso la carta).

Un disegno rapido e non rifinito può essere chiamato schizzo[8].

In campi al di fuori dell'arte, i disegni tecnici oi piani di edifici, macchinari, circuiti e altre cose sono spesso chiamati "disegni" anche quando sono stati trasferiti su un altro supporto mediante la stampa.

Storia modifica

In comunicazione modifica

Il disegno è una delle più antiche forme di espressione umana, con prove della sua esistenza precedente a quella della comunicazione scritta[9]. Si ritiene che il disegno fosse utilizzato come forma specializzata di comunicazione prima dell'invenzione della lingua scritta[9][10], dimostrato dalla produzione di pitture rupestri circa 30.000 anni fa (Arte del Paleolitico superiore)[11]. Questi disegni, noti come pittogrammi, raffiguravano oggetti e concetti astratti[12]. Gli schizzi e i dipinti prodotti dal Neolitico furono infine stilizzati e semplificati in sistemi di simboli (proto-scrittura) e infine nei primi sistemi di scrittura.

Nei manoscritti modifica

Prima dell'ampia disponibilità di carta, i monaci del XII secolo nei monasteri europei usavano intricati disegni per preparare manoscritti illustrati e miniati su pergamena[13]. Il disegno è stato ampiamente utilizzato anche nel campo della scienza, come metodo di scoperta, comprensione e spiegazione[14].

Nella scienza modifica

Disegnare diagrammi di osservazioni è una parte importante dello studio scientifico.

Nel 1609, l'astronomo Galileo Galilei spiegò le mutevoli fasi di Venere e anche le macchie solari attraverso i suoi disegni telescopici osservativi[15]. Nel 1924, il geofisico Alfred Wegener utilizzò illustrazioni per dimostrare visivamente l'origine dei continenti.

Come espressione artistica modifica

Il disegno è usato per esprimere la propria creatività, e quindi è stato prominente nel mondo dell'arte. Per gran parte della storia, il disegno è stato considerato il fondamento della pratica artistica[16]. Inizialmente, gli artisti usavano e riutilizzavano tavolette di legno per la produzione dei loro disegni[17]. A seguito della diffusa disponibilità di carta nel XIV secolo, aumentò l'uso del disegno nelle arti. A questo punto, il disegno era comunemente usato come strumento di pensiero e indagine, fungendo da mezzo di studio mentre gli artisti si preparavano per i loro lavori finali[18][19]. Il Rinascimento ha portato una grande raffinatezza nelle tecniche di disegno, consentendo agli artisti di rappresentare le cose in modo più realistico di prima[20], e rivelando un interesse per la geometria e la filosofia[21].

L'invenzione della prima forma di fotografia ampiamente disponibile ha portato a un cambiamento nella gerarchia delle arti[22]. La fotografia offriva un'alternativa al disegno come metodo per rappresentare accuratamente i fenomeni visivi, e alla pratica del disegno tradizionale veniva data meno enfasi come abilità essenziale per gli artisti, in particolare nella società occidentale[15].

Notevoli artisti e disegnatori modifica

Il disegno divenne significativo come forma d'arte intorno alla fine del XV secolo, con artisti e maestri incisori come Albrecht Dürer e Martin Schongauer (circa 1448-1491), il primo incisore del Nord conosciuto per nome. Schongauer proveniva dall'Alsazia ed era nato in una famiglia di orafi. Anche Albrecht Dürer, maestro della generazione successiva, era figlio di un orafo[23][24].

I disegni antichi riflettono spesso la storia del paese in cui sono stati prodotti e le caratteristiche fondamentali di una nazione in quel momento. Nell'Olanda del XVII secolo, un paese protestante, non c'erano quasi opere d'arte religiose e, senza re o corte, la maggior parte dell'arte veniva acquistata privatamente. I disegni di paesaggi o scene di genere erano spesso visti non come schizzi ma come opere d'arte altamente rifinite. I disegni italiani, tuttavia, mostrano l'influenza del cattolicesimo e della Chiesa, che ha svolto un ruolo importante nel mecenatismo artistico. Lo stesso vale spesso per i disegni francesi, anche se nel XVII secolo le discipline del classicismo francese significavano che i disegni erano meno barocchi rispetto alle controparti italiane più libere[25], che trasmettevano un maggiore senso di movimento[26].

Nel XX secolo il Modernismo ha incoraggiato "l'originalità immaginativa"[27] e l'approccio al disegno di alcuni artisti è diventato meno letterale, più astratto. Artisti di fama mondiale come Pablo Picasso, Andy Warhol e Jean-Michel Basquiat hanno contribuito a sfidare lo status quo, ponendo il disegno al centro della loro pratica e spesso reinterpretando la tecnica tradizionale[28].

I disegni di Basquiat sono stati prodotti con molti mezzi diversi, più comunemente inchiostro, matita, pennarello, e ha disegnato su qualsiasi superficie gli capitasse a portata di mano, come porte, vestiti, frigoriferi, pareti e caschi da baseball[29].

I secoli hanno prodotto un canone di artisti e disegnatori notevoli, ciascuno con il proprio linguaggio di disegno distinto, tra cui:

  • 14°, 15° e 16°: Leonardo da Vinci[30] • Albrecht Dürer • Hans Holbein il Giovane • Michelangelo • Pisanello • Raffaello
  • 17°: Claude • Jacques de Gheyn II • Guercino • Nicolas Poussin • Rembrandt • Peter Paul Rubens • Pieter Saenredam
  • 18°: François Boucher • Jean-Honoré Fragonard • Giovanni Battista Tiepolo • Antoine Watteau
  • 19°: Aubrey Beardsley • Paul Cézanne • Jacques-Louis David • Honoré Daumier • Edgar Degas • Théodore Géricault • Francisco Goya • Jean-Auguste-Dominique Ingres • Pierre-Paul Prud'hon • Odilon Redon • John Ruskin • Georges Seurat • Henri de Toulouse-Lautrec • Vincent van Gogh
  • 20°: Max Beckmann • Jean Dubuffet • MC Escher • Arshile Gorky • George Grosz • Paul Klee • Oskar Kokoschka • Käthe Kollwitz • Alfred Kubin • André Masson • Alphonse Mucha • Jules Pascin • Pablo Picasso • Egon Schiele • Jean-Michel Basquiat • Andy Warhol

Materiali modifica

Il medium[31] è il mezzo attraverso il quale l'inchiostro, il pigmento o il colore vengono posti sulla superficie del disegno. La maggior parte dei supporti da disegno sono asciutti (ad es. grafite, carboncino, pastelli, Conté, punta d'argento) o utilizzano un solvente fluido o un vettore (pennarello, penna e inchiostro). Le matite acquerellabili possono essere utilizzate asciutte come normali matite, poi inumidite con un pennello bagnato per ottenere vari effetti pittorici. Molto raramente, gli artisti hanno disegnato con inchiostro invisibile (solitamente decodificato). Il disegno a punta di metallo di solito impiega uno dei due metalli: argento o piombo[32]. Più raramente usati sono l'oro, il platino, il rame, l'ottone, il bronzo e la latta.

La carta è disponibile in una varietà di diverse dimensioni e qualità, che vanno dal tipo di giornale fino alla carta di alta qualità e relativamente costosa venduta come fogli singoli[33]. Le carte variano in consistenza, tonalità, acidità e resistenza quando sono bagnate. La carta liscia è buona per rendere i dettagli fini, ma una carta più "a trentadue denti" trattiene meglio il materiale da disegno. Quindi un materiale più grossolano è utile per produrre un contrasto più profondo.

La carta da giornale e la carta dattilografica possono essere utili per la pratica e per gli schizzi approssimativi. La carta da lucido viene utilizzata per sperimentare su un disegno finito a metà e per trasferire un disegno da un foglio all'altro. La carta per cartucce è il tipo base di carta da disegno venduta in blocchi. Il cartoncino Bristol e anche i cartoncini privi di acidi più pesanti, spesso con finiture lisce, vengono utilizzati per disegnare dettagli fini e non si deformano quando vengono applicati supporti bagnati (inchiostro, lavaggi). La pergamena[34] è estremamente liscia e adatta a dettagli molto fini. La carta per acquerello pressata a freddo può essere preferita per il disegno a inchiostro grazie alla sua consistenza.

La carta di qualità archivistica priva di acidi mantiene il suo colore e la sua consistenza molto più a lungo della carta a base di pasta di legno come la carta da giornale, che ingiallisce e diventa fragile molto prima.

Gli strumenti di base sono un tavolo da disegno o un tavolo, temperamatite e gomma e, per il disegno a inchiostro, carta assorbente. Altri strumenti utilizzati sono il compasso circolare, il righello e la squadra. Il fissativo viene utilizzato per evitare che i segni di matita e pastello si sbavino. Il nastro da disegno viene utilizzato per fissare la carta alla superficie del disegno e anche per mascherare un'area per mantenerla priva di segni accidentali, come materiali e lavaggi spruzzati o schizzati. Si utilizza un cavalletto o un tavolo inclinato per mantenere il piano del disegno in una posizione idonea, generalmente più orizzontale rispetto alla posizione utilizzata in pittura.

Tecnica modifica

 
Antoine Watteau, tecnica delle tre matite, una tecnica di disegno che utilizza tre colori di gesso: rosso (sanguigno), nero e bianco. La carta utilizzata può essere di un tono medio come grigio, blu o marrone chiaro[35].

Quasi tutti i disegnatori usano le mani e le dita per applicare i supporti, ad eccezione di alcuni individui disabili che disegnano con la bocca o con i piedi[36].

Prima di lavorare su un'immagine, l'artista in genere esplora il funzionamento dei vari media. Possono provare diversi strumenti di disegno su fogli di pratica per determinare il valore e la trama e come applicare lo strumento per produrre vari effetti.

La scelta dell'artista dei tratti del disegno influisce sull'aspetto dell'immagine. I disegni a penna e inchiostro usano spesso il tratteggio, ossia gruppi di linee parallele. Il tratteggio incrociato utilizza il tratteggio in due o più direzioni diverse per creare un tono più scuro. I tratteggi spezzati, o le linee con interruzioni intermittenti, formano toni più chiari e controllando la densità delle interruzioni si ottiene una gradazione di tono. La punteggiatura utilizza i punti per produrre tono, struttura e sfumatura. È possibile ottenere trame diverse a seconda del metodo utilizzato per costruire il tono[37].

I disegni su supporti asciutti spesso utilizzano tecniche simili, sebbene matite e bastoncini da disegno possano ottenere continue variazioni di tono. In genere un disegno viene compilato in base alla mano preferita dall'artista. Un artista destro disegna da sinistra a destra per evitare di sporcare l'immagine. Le gomme possono rimuovere le linee indesiderate, schiarire i toni e ripulire i segni vaganti. In uno schizzo o disegno di contorno, le linee tracciate seguono spesso il contorno del soggetto, creando profondità, assomigliando a ombre proiettate da una luce nella posizione dell'artista.

A volte l'artista lascia intatta una sezione dell'immagine mentre riempie il resto. La forma dell'area da preservare può essere dipinta con liquido per mascheratura o ritagliata da un frisket e applicata alla superficie del disegno, proteggendo la superficie da segni vaganti fino a quando la maschera non viene rimossa.

Un altro metodo per preservare una sezione dell'immagine consiste nell'applicare un fissativo spray sulla superficie. Ciò trattiene più saldamente il materiale sfuso sul foglio e ne impedisce l'imbrattamento. Tuttavia, lo spray fissativo utilizza in genere sostanze chimiche che possono danneggiare il sistema respiratorio, quindi dovrebbe essere impiegato in un'area ben ventilata come all'aperto.

Un'altra tecnica è il disegno sottrattivo in cui la superficie del disegno viene ricoperta di grafite o carboncino e poi cancellata per creare l'immagine[38].

Tono modifica

L'ombreggiatura[39] è la tecnica di variare i valori tonali sulla carta per rappresentare l'ombra del materiale e il posizionamento delle ombre. Un'attenta attenzione alla luce riflessa, alle ombre e alle alte luci può portare a una resa molto realistica dell'immagine[40].

Forma e proporzione modifica

 
Proporzioni del corpo umano utilizzabili in un disegno.

Misurare le dimensioni di un soggetto mentre si blocca nel disegno è un passo importante nella produzione di una resa realistica del soggetto. Strumenti come il compasso possono essere utilizzati per misurare gli angoli di diversi lati. Questi angoli possono essere riprodotti sulla superficie del disegno e quindi ricontrollati per assicurarsi che siano precisi. Un'altra forma di misurazione consiste nel confrontare tra loro le dimensioni relative di diverse parti del soggetto. Un dito posizionato in un punto lungo lo strumento di disegno può essere utilizzato per confrontare quella dimensione con altre parti dell'immagine. Un righello può essere utilizzato sia come riga che come dispositivo per calcolare le proporzioni[41][42].

Quando si tenta di disegnare una forma complicata come una figura umana, è utile inizialmente rappresentare la forma con un insieme di volumi primitivi. Quasi ogni forma può essere rappresentata da una combinazione di cubo, sfera, cilindro e cono. Una volta che questi volumi di base sono stati assemblati in una somiglianza, il disegno può essere rifinito in una forma più accurata e raffinata. Le linee dei volumi primitivi vengono rimosse e sostituite dalla somiglianza finale. Disegnare la costruzione sottostante è un'abilità fondamentale per l'arte figurativa e viene insegnata in molti libri e scuole. La sua corretta applicazione risolve la maggior parte delle incertezze sui dettagli più piccoli e rende l'immagine finale coerente[43].

Un'arte più raffinata del disegno di figure si basa sul fatto che l'artista possieda una profonda comprensione dell'anatomia e delle proporzioni umane[44]. Un artista esperto ha familiarità con la struttura dello scheletro, la posizione delle articolazioni, il posizionamento dei muscoli, il movimento dei tendini e il modo in cui le diverse parti lavorano insieme durante il movimento. Ciò consente all'artista di rendere pose più naturali che non appaiono artificialmente rigide. L'artista sa anche come le proporzioni variano a seconda dell'età del soggetto, in particolare quando si disegna un ritratto[45].

Prospettiva modifica

 
Disegno prospettico a due punti.

La prospettiva lineare è un metodo per ritrarre oggetti su una superficie piana in modo che le dimensioni si riducano con la distanza[46]. Ogni insieme di bordi paralleli e diritti di qualsiasi oggetto, che sia un edificio o un tavolo, segue linee che alla fine convergono in un punto di fuga. In genere questo punto di convergenza si trova da qualche parte lungo l'orizzonte, poiché gli edifici sono costruiti a livello della superficie piana. Quando più strutture sono allineate l'una con l'altra, come gli edifici lungo una strada, le parti superiori e inferiori orizzontali delle strutture in genere convergono in un punto di fuga[47].

Quando vengono disegnati sia i fronti che i lati di un edificio, le linee parallele che formano un lato convergono in un secondo punto lungo l'orizzonte (che potrebbe essere fuori dal foglio da disegno). Questa è una prospettiva a due punti[48]. La convergenza delle linee verticali in un terzo punto sopra o sotto l'orizzonte produce quindi una prospettiva a tre punti.

La profondità può anche essere rappresentata da diverse tecniche oltre all'approccio prospettico di cui sopra. Oggetti di dimensioni simili dovrebbero apparire sempre più piccoli man mano che sono lontani dallo spettatore. Così la ruota posteriore di un carro appare leggermente più piccola della ruota anteriore. La profondità può essere rappresentata attraverso l'uso della trama o texture[49]. Man mano che la trama di un oggetto si allontana, diventa più compressa e occupata, assumendo un carattere completamente diverso rispetto a se fosse vicina. La profondità[50][51] può essere rappresentata anche riducendo il contrasto negli oggetti più distanti e rendendo i loro colori meno saturi. Questo riproduce l'effetto della foschia atmosferica e fa sì che l'occhio si concentri principalmente sugli oggetti disegnati in primo piano.

Abilità artistica modifica

 
Studio in chiaroscuro di William-Adolphe Bouguereau.

La composizione dell'immagine è un elemento importante per produrre un'opera interessante e di pregio artistico. L'artista pianifica il posizionamento di elementi nell'arte per comunicare idee e sentimenti con lo spettatore. La composizione può determinare il fulcro dell'arte e risultare in un insieme armonioso esteticamente accattivante e stimolante.

L'illuminazione del soggetto è anche un elemento chiave nella creazione di un pezzo artistico, e l'interazione di luci e ombre è un metodo prezioso nella cassetta degli attrezzi dell'artista[52]. Il posizionamento delle sorgenti luminose può fare una notevole differenza nel tipo di messaggio che viene presentato. Molteplici fonti di luce possono eliminare le rughe dal viso di una persona, ad esempio, e conferire un aspetto più giovanile. Al contrario, una singola fonte di luce, come la luce del giorno, può servire a evidenziare qualsiasi trama o caratteristica interessante.

Quando si disegna un oggetto o una figura, l'artista esperto presta attenzione sia all'area all'interno della silhouette[53] sia a ciò che si trova all'esterno. L'esterno è definito lo spazio negativo e può essere importante nella rappresentazione quanto la figura. Gli oggetti posizionati sullo sfondo della figura dovrebbero apparire posizionati correttamente ovunque possano essere visualizzati.

Uno studio è una bozza di disegno realizzata in preparazione di un'immagine finale pianificata[54]. Gli studi possono essere utilizzati per determinare l'aspetto di parti specifiche dell'immagine completata o per sperimentare l'approccio migliore per raggiungere l'obiettivo finale. Tuttavia uno studio ben realizzato può essere un'opera d'arte a sé stante e molte ore di attento lavoro possono richiedere il completamento di uno studio.

Processo modifica

 
Una giovane donna che disegna il Fauno Barberini a Monaco di Baviera.

Gli individui mostrano differenze nella loro capacità di produrre disegni visivamente accurati[55]. Un disegno visivamente accurato è descritto come "riconosciuto come un oggetto particolare in un momento particolare e in uno spazio particolare, reso con poca aggiunta di dettagli visivi che non possono essere visti nell'oggetto rappresentato o con poca cancellazione di dettagli visivi"[56].

Studi investigativi hanno mirato a spiegare i motivi per cui alcuni individui disegnano meglio di altri. Uno studio ha ipotizzato quattro abilità chiave nel processo di disegno: abilità motorie richieste per tracciare segni, la percezione del disegno da parte del disegnatore, la percezione degli oggetti che vengono disegnati e la capacità di prendere buone decisioni rappresentative[56]. Seguendo questa ipotesi, diversi studi hanno cercato di concludere quali di questi processi sono più significativi nell'influenzare l'accuratezza dei disegni.

Controllo motorio

Il controllo motorio è un componente fisico importante nella "fase di produzione" del processo di trafilatura[57]. È stato suggerito che il controllo motorio abbia un ruolo nella capacità di disegno, sebbene i suoi effetti non siano significativi[56].

Percezione

È stato suggerito che la capacità di un individuo di percepire un oggetto che sta disegnando sia la fase più importante nel processo di disegno[56]. Questo suggerimento è supportato dalla scoperta di una solida relazione tra percezione e capacità di disegno[58].

Questa prova è stata la base del libro di Betty Edwards, Drawing on the Right Side of the Brain[59]. Edwards mirava a insegnare ai suoi lettori come disegnare, in base allo sviluppo delle capacità percettive del lettore.

Inoltre, l'influente artista e critico d'arte John Ruskin ha sottolineato l'importanza della percezione nel processo di disegno nel suo libro The Elements of Drawing[60]. Ha affermato che "Poiché sono quasi convinto che una volta che vediamo abbastanza acutamente, c'è ben poco difficile nel disegnare ciò che vediamo".

Memoria visiva

È stato anche dimostrato che ciò influenza la capacità di creare disegni visivamente accurati. La memoria a breve termine gioca un ruolo importante nel disegno poiché lo sguardo si sposta tra l'oggetto che si sta disegnando e il disegno stesso[61].

Il processo decisionale

Alcuni studi che confrontano artisti e non artisti hanno scoperto che gli artisti stessi trascorrono più tempo a pensare in modo strategico mentre disegnano. In particolare, gli artisti trascorrono più tempo in attività "metacognitive", come considerare diversi piani ipotetici su come potrebbero progredire con un disegno[62].

Disegno digitale modifica

 
Esempio di disegno digitale

Con l'avvento del digitale sono nati programmi per computer e applicazioni per smartphone e tablet per disegnare[63][64][65].

Galleria d'immagini modifica

Note modifica

  1. ^ diségno in Vocabolario - Treccani, su treccani.it. URL consultato il 28 marzo 2023.
  2. ^ S. Aliotta, ibid., s.v.
  3. ^ F. Negri Arnoldi e S. Prosperi Valenti Rodinò, ibid., in pp. 126-135ff.
  4. ^ I. C. McManus, R Chamberlain, P-W Loo, H Riley, Q Rankin e N Brunswick, Art Students Who Cannot Draw: Exploring the Relations Between Drawing Ability, Visual Memory, Accuracy of Copying, and Dyslexia (PDF), su University College London, Psychology of Aesthetics, Creativity, and the Arts, vol. 4, no. 1, 18 –30, 2010. URL consultato l'11 marzo 2014 (archiviato dall'url originale il 3 marzo 2016).
  5. ^ Vedi grisaille e chiaroscuro
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